182 Eingaben, 33 Positionen, 13 Werkstipendien

Einer Stipendienausstellung geht im Vergleich zu anderen Ausstellungen bereits ein Urteil voraus. Noch bevor die Arbeiten öffentlich zu sehen sind, wurden sie ausgewählt, miteinander verglichen und bewertet. 

Ich betrete das Helmhaus, ohne den Jurybericht gelesen zu haben. Statt Urteile zu übernehmen, notiere ich Eindrücke. Was folgt, ist kein vollständiger Ausstellungsbericht, sondern ein Rundgang entlang jener Arbeiten, die mich berühren und unabhängig von ihrer Auszeichnung eine eigene Dringlichkeit entfalten.

Tereza Glazova, Mirages (Inferior, Superior, Fata Morgana), 2026

Tereza Glazova übernimmt die goldene Signaletik, wie man sie gegenwärtig aus grossen Kunstinstitutionen kennt und setzt sie mitten ins Helmhaus. Ein Pfeil verweist auf den nächsten Raum und kündigt dort «pers and downers, calories, dust cigarette smoke» an. Die Arbeit wirkt zunächst spielerisch, entfaltet aber rasch ihre Schärfe. Mit der Aneignung institutioneller Leitsysteme hinterfragt Glazova die Mechanismen, nach denen Kunst orientiert, bewertet und letztlich auch hierarchisiert wird. Besonders spannend ist das Wortspiel «pers and downers»: Aus dem geläufigen «highs and downers» werden Personen und Tiefen. Dabei zeigt der Pfeil in den Raum, wo Glazovas Mitausstellende ihre künstlerischen Werke präsentieren. Ob sich Glazova selbst darin einschliesst oder bewusst Distanz schafft, bleibt offen.

Arianne Vonmoos, Raise the Roof, 2026

Raise the Roof gehört für mich zu den stärksten Arbeiten der Ausstellung. Zu sehen sind zwei schwarze Rosen, ein Hauch pinkes Pigment ist dabei, sie berühren sich und scheinen in Bewegung zu sein. Das Motiv ist radikal reduziert und eröffnet einen weiten Assoziationsraum. Mal lese ich den grünen Hintergrund als überdimensionierten Blätterraum, dann wieder als Wasserfläche – die Kunstgeschichte schwingt mit. Je länger ich vor dem Bild stehe, desto mehr lasse ich mich treiben. Es ist eines jener Werke, bei denen mir nicht einmal der Gedanke kommt, mein Handy zu zücken. Vonmoos arbeitet mit selbst angemischter Ei-Tempera und gebrauchten Materialien wie alten Bettlaken. Diese entschleunigte Arbeitsweise scheint sich unmittelbar in die Präsenz des Bildes einzuschreiben. Das Gemälde wirkt still, konzentriert und vital.

Stirnimann-Stojanovic, Carbon is Forever, 2026

Die Arbeit von Stirnimann-Stojanovic besteht auf den ersten Blick aus bedruckten A4-Blättern in Plastikmäppchen. Es handelt sich um ein Klimazertifikat. Oder doch nicht? Ich bin unsicher und schlage die Ausstellungs-Broschüre auf. Erst dort erfahre ich, dass die Künstler.innen mit Mitteln aus dem Kunstbetrieb staatliche CO₂-Zertifikate gekauft und dem Markt dauerhaft entzogen haben. Das Recht, eine Tonne CO₂ auszustossen, wird damit tatsächlich gelöscht – das überzeugt mich! Aktivismus bleibt hier nicht Motiv, sondern wird selbst zur künstlerischen Handlung. Die Zurückhaltung ihrer Erscheinung stelle ich aber in Frage. Ohne den Ausstellungstext läuft die Arbeit Gefahr, übersehen zu werden. Das wäre schade.

U5 (Berit Seidel & Stefanie Rubner), #flagged, 2020–2026

Für #flagged hat das Kollektiv U5 zwischen 2007 und 2023 alle zwei Sekunden automatisch Fotografien des eigenen Alltags aufgenommen. Seit der Server nicht mehr gewartet wird, beginnt dieses riesige digitale Archiv langsam zu verschwinden. Einzelne Bilder werden auf Satin gedruckt, mit Neonfarben übermalt und hinter Acrylglas gerahmt. Dadurch verlieren sie ihren dokumentarischen Charakter und entwickeln eine originelle Eigenständigkeit. Besonders präsent ist ein Bild, auf dem das Wort «TRUST» unmittelbar über einer Überwachungskamera aufgeschrieben wurde. Die Arbeit bewegt sich zwischen Erinnerung, Kontrolle, Manipulation und Vergänglichkeit und macht sichtbar, wie abhängig unsere scheinbar immateriellen Bildwelten von materiellen Infrastrukturen sind.

Samuel Haitz, Anthology (Proust, p. 56–57), 2026

Vier Scans derselben Doppelseite aus verschiedenen Ausgaben einer Marcel-Proust-Biografie hängen nebeneinander. Auf den ersten Blick scheinen sie identisch. Erst beim genaueren Hinsehen treten kleine Unterschiede hervor: gealtertes Papier, verschobene Druckraster, Gebrauchsspuren. Fast unwillkürlich beginne ich «Finde die Fehler» zu spielen – darin liegt eine der Raffinessen dieser Arbeit. Samuel Haitz bedient sich einer ebenso einfachen wie wirkungsvollen Strategie, seine Besucher.innen zum längeren Schauen zu bringen. Die Arbeit verweigert den zeitgenössisch weit verbreiteten schnellen Blick auf die Kunst, sie verlangt ganz klar nach Aufmerksamkeit.

Cora Piantoni, Mille Donne, Mille Lotte (1000 Frauen, 1000 Kämpfe), 2025

Im oberen Stockwerk zieht mich Cora Piantonis filmische Arbeit unmittelbar in ihren Bann. Sie erzählt vom Leben der Tabacchine, jener Tabakarbeiterinnen, die bis in die 1990er Jahre in einer venezianischen Fabrik arbeiteten und sich erfolgreich für bessere Arbeitsbedingungen organisierten. Der Film interessiert sich dabei weniger für historische Ereignisse als für die Erfahrungen der Frauen selbst. Eine Arbeiterin erzählt von einer Kollegin, die nach der Geburt ihres Kindes nicht genug Milch zum Stillen hatte. Eine andere Kollegin habe daraufhin sowohl ihr eigenes Kind als auch das der jungen Mutter gestillt. Solche Erzählungen verleihen dem politischen Kampf grosse Unmittelbarkeit. Solidarität erscheint hier nicht als abstrakte Forderung, sondern als gelebte Praxis, am Arbeitsplatz ebenso wie im Alltag. Begleitet werden die Gespräche von Arbeiterliedern, die die Erinnerungen weitersingen. 

Flavia Trachsler, On Cropped Plans and Unconstrained Scenes, 2026

Flavia Trachsler untersucht architektonische Strukturen als Träger gesellschaftlicher Ordnungen und setzt den standardisierten Modellen bewusst «nicht passende Figuren» entgegen. Die Arbeit bereitet mir grosse Freude. Man sieht Körper, die sich ineinander verschlingen, einander tragen und spielerisch, ja beinahe leidenschaftlich, neue Formen des Miteinanders erproben – grosse Hände und grosse Füsse, die ganz selbstverständlich ein Modell zu sprengen suchen. Die Architektur bleibt dabei unverändert. Und doch verschiebt sich der Blick. Was zunächst als Modell erscheint, wird allmählich zur Bühne einer Handlung. Nicht der gebaute Rahmen, sondern das Leben-an-und-für-sich rückt in den Vordergrund.

Caterina De Nicola, Of Self-Maintenance, 2026

Die zwei gleich grossen Fotografien von Caterina De Nicola zeigen dieselbe Situation, vermutlich nur wenige Sekunden auseinander und aus leicht unterschiedlichen Blickwinkeln aufgenommen. Die Arbeit zieht meine Aufmerksamkeit direkt auf sich, sie hat eine Sogwirkung. Von ihr geht etwas Unheimliches aus, ohne dass sich ihre Bedeutung erschliesst. Die Fotografien gehören zur Serie Of Self-Maintenance, die sich mit Prozessen der Erhaltung, Transformation und den Bedingungen künstlerischer Praxis auseinandersetzt. Zu sehen sind regalförmige oder vitrinenartige Strukturen in einem Innenraum, vielleicht ein Atelier, vielleicht ein Ausstellungsraum. Man weiss es nicht genau. Es wirkt, als vollziehe sich hier ein rätselhafter, beinahe ritueller Prozess. Gerade diese Unbestimmtheit und das von ihr ausgehende Unbehagen machen die Arbeit so anziehend. Die Fotografien wirken weniger wie dokumentarische Aufnahmen als wie Objekte, die einen Moment festhalten, in dem sich etwas Grundlegendes verändert. Ich verweile lange vor dieser Arbeit.

Nach dem Rundgang setze ich mich hin, schaue meine Notizen durch und lese erst dann die Juryberichte. «Arianne Vonmoos ist ein malerischer Wurf gelungen.» – stimmt. Grösstenteils stimme ich den Urteilen zu. Es bleibt mir jedoch ein Rätsel, weshalb weder Cora Piantonis noch Flavia Trachslers Arbeit ausgezeichnet wurden.

Die Ausstellung stellt die Frage, unter welchen Bedingungen Kunst heute Wirksamkeit entfalten kann. Die Antworten sagen, dass Bedeutung nicht allein im Bild oder Konzept entsteht, sondern im realen Raum (es gibt auch Arbeiten, die so wirken, als wären sie nur für Instagram erfunden worden).

Bei U5 wird ein digitales Archiv erst durch seinen drohenden Zerfall und die Überführung ins Materielle erfahrbar. Samuel Haitz zeigt, dass selbst die scheinbar neutrale Reproduktion eines Bildes Spuren von Zeit und technischen Übersetzungen aufnimmt. Arianne Vonmoos setzt der beschleunigten Bildproduktion einen langsamen Material-Prozess entgegen. Erinnerung muss in dieser Ausstellung immer wieder neu hervorgebracht werden. In Cora Piantonis Film wächst die Geschichte aus Stimmen, Liedern, Standbildern und den Spuren kollektiv erkämpfter Zeit. Vergangenheit wird nicht aufbewahrt, sondern im Erinnern selbst noch einmal gegenwärtig. U5 zeigt die Kehrseite davon: Archive sind nie neutral. Jedes Archiv bewahrt nicht nur Erinnerung auf, sondern organisiert Macht. Mehrere Arbeiten richten ihren Blick zudem auf institutionelle und räumliche Ordnungen. Tereza Glazova übernimmt das Leitsystem der Kunstinstitution und macht sichtbar, dass Signaletik nicht nur orientiert, sondern auch Aufmerksamkeit lenkt. Flavia Trachsler untersucht dieselbe ordnende Kraft im architektonischen Modell, also der Räumlichkeit der Zukunft.

Vielleicht gilt für alle guten Arbeiten dieser Ausstellung, dass sie unserem Wunsch nach Eindeutigkeit nicht gerecht werden wollen. Nicht alles kann sichtbar, erklärt oder kontrolliert werden und mit diesem Gefühl verlasse ich das Helmhaus Zürich mit seinem komischen lila Boden.